La estrella no tiene la culpa, pero esta producción-evento-global está «sin vida»

Pocos espectáculos teatrales han generado tanto revuelo como esta nueva versión de la historia de amor de Shakespeare protagonizada por el ícono de la Generación Z, que se representa en Londres. Desafortunadamente, sin embargo, está hundido por una puesta en escena efectista y opresivamente severa.

El teatro es necesariamente una forma de arte bastante localizada, por lo que es notable ver cómo una sola producción alcanza el estatus de evento global. Sin embargo, en eso, sin duda, se ha convertido una nueva versión de Romeo y Julieta en el West End de Londres, gracias a uno de sus protagonistas: un tal Hombre araña, Tom Holanda. Puedes sentir el efecto del aura muy especial de Holland como megacelebridad de la Generación Z en el particular alboroto entre el público antes de que comience la obra, y ciertamente puedes sentirlo después, en las escenas sin precedentes afuera del Teatro Duke of York, donde cientos de Los fanáticos se agolpan detrás de las barandillas, esperando ver a Holland mientras viaja desde la puerta del escenario hasta su auto, saludando como la realeza.

Si tan solo el programa en sí pudiera igualar esta energía. Desafortunadamente, sin embargo, es un asunto deprimente y sin vida, que de alguna manera logra ser exagerado y carente de poder. Hay que subrayar que esto no es en modo alguno culpa de los actores: ni de Holland, que está bien, ni de Francesca Amewudah-Rivers, que interpreta a Julieta, que está más que bien, ni del reparto secundario. El problema reside firmemente en la puesta en escena efectista y opresivamente severa, que siempre va en contra de todos ellos.

Aunque no esté a los niveles de Holanda, el director Jamie Lloyd es una atracción de taquilla: uno de los pocos creadores de teatro «de renombre», que se ha hecho conocido por sus reimaginaciones minimalistas de clásicos protagonizados por celebridades vestidas de manera informal. Estas incluyen versiones recientes de A Doll's House, con Jessica Chastain, The Seagull, con Emilia Clarke y, el otoño pasado, Sunset Boulevard, de Andrew Lloyd Webber, con Nicole Scherzinger; este último, tras cosechar elogios en la capital del Reino Unido, llegará a Broadway en otoño.

Sin embargo, el peligro es que lo que parece radical la primera o la segunda vez puede convertirse rápidamente en una fórmula, y existe una sensación de previsibilidad ligeramente cansada al ser recibido a su llegada por un escenario desnudo, excepto por una valla metálica y soportes de micrófono, mientras un chirriante Un paisaje sonoro electrónico industrial resuena a través de los altavoces. Ah, y en el centro del escenario, hay letras gigantes colocadas en el suelo que detallan la ubicación de la obra, Verona. Las cosas no se vuelven más sutiles a partir de ahí.

Lo que realmente hunde las cosas es el uso continuo de trabajo de cámara en vivo, con los actores seguidos por operadores de cámara por todo el edificio (incluso, en un momento, hasta el techo del Duque de York) y imágenes ampliadas en una pantalla grande. Es un recurso cada vez más familiar del teatro moderno, que el propio Lloyd utilizó en Sunset Boulevard, y que puede resultar eficaz si tiene un objetivo claro: véase la ingeniosa adaptación unipersonal de El retrato de Dorian Gray de la Sydney Theatre Company, que acabamos de ver en el West End con Sucesión estrella Sarah Snook, que utilizó todo un conjunto de cámaras para ayudar al público a acceder al estado narcisista del personaje, entre otras cosas.

Pero aquí, la cinematografía tiene un propósito temático dudoso y, en cambio, plantea la pregunta: ¿cuál es exactamente el objetivo de un teatro que está tan desesperado por imitar la televisión y el cine? En lugar de la emoción de una experiencia en vivo inmediata, el público está dislocado de los actores, los actores están dislocados unos de otros, y hay poca sensación de un mundo coherente en el que existan los personajes.

Tomemos como ejemplo la escena en la que Romeo ve por primera vez a Julieta en una fiesta: aquí Holland está sola en el escenario, mirando a Amewudah-Rivers en la pantalla, desde donde la transmiten desde el poco atractivo escenario del vestíbulo del teatro del Duque de York (no es exactamente una gran sustituto para el salón de baile de los Capuleto. En el proceso, lo que debería ser un momento eléctrico de amor a primera vista pierde su chispa.

De hecho, dejando a un lado las cámaras, se nota lo poco que se les permite a los actores interactuar orgánicamente: en otros momentos, se les obliga a usar esos micrófonos y/o permanecer uno al lado del otro, de cara al público, declamando sus líneas, sin mirar. entre sí. A menudo hace que los acontecimientos sean insoportablemente estáticos, hasta el punto de convertirse en un trabajo duro, a pesar de los importantes recortes textuales que lo han reducido a una duración relativamente rápida de dos horas y 15 minutos. El nadir llega en la representación completamente poco dinámica de la escena culminante de la pelea a mitad de camino, que ve las muertes de Mercutio y Tybalt: aquí no hay ningún aspecto físico, solo un apagón instantáneo, antes de que los personajes aparezcan mágicamente nuevamente nuevamente ensangrentados.

Con su decorado de caja negra, su diseño de sonido constante y siniestro y su iluminación austera, Lloyd también parece querer convertir a Romeo y Julieta en una especie de horror nihilista, drenando la historia de amor de la luz y la sombra que debería tener ante sí. llega a su trágico final. Se siente que la actuación de Holland sufre particularmente por estar empeñada en esta estética decididamente pesimista. Tiene una presencia escénica definida, pero tiene la costumbre de representar un estado de ánimo a la vez, en lugar de hacer que su Romeo sea psicológicamente redondeado de manera convincente, y hacia el final se ve reducido a un gruñido de descontento, con la ternura emocional de Romeo casi olvidada.

La relativamente recién llegada Amewudah-Rivers, por el contrario, trasciende su entorno sombrío y es la verdadera salvación: tiene un dominio conversacional del verso común a los mejores actores de Shakespeare, así como un ingenio natural, que se despliega particularmente bien en las primeras escenas. escenas de cortejo. A su lado está la ex asistente de Doctor Who, Freema Agyeman, una delicia cómica y radiantemente cálida como la enfermera de Juliet. De hecho, son las escenas juntas de Amewudah-Rivers y Agyeman, en las que bromean con química fraternal, las que realmente son el corazón palpitante de esta producción, que no es lo que Shakespeare pudo haber pretendido, pero ahí lo tienes.

Los rumores han sugerido que el espectáculo se trasladará a Nueva York y espero, cualesquiera que sean las deficiencias reales de este Romeo y Julieta, que el efecto Holland pueda inspirar a una nueva generación de espectadores, por no hablar de los amantes de Shakespeare. Excepto que, desafortunadamente, esto se siente como un teatro que se odia a sí mismo, que cree que las pantallas lo son todo y no tiene una fe real en el valor inherente de su propia forma de arte. Piense en ello más bien como una sátira inmersiva sobre el estado de las artes, tal vez, y da en el blanco bastante mejor.