El escalofrío mordaz de la sociabilidad tóxica del mundo del arte tiene una cierta manera de meterse debajo de la piel. El cortometraje “Es sólo una maldita apertura(2025) va allí y se queda temblando. El protagonista de la película, producida por Revista Júpiter y debutó en el Festival Internacional de Cine de Chicago el mes pasado, es una artista joven y emergente llamada Anisa (interpretada por Ireon Roach). El crisol de su gran noche de estreno arroja su relación con quienes la rodean (y con su propio arte) a una crisis de fe.
La película comienza en medio de la apertura de Anisa, justo después de que ella haya realizado una actuación que nunca vemos en la pantalla. nosotros solo escuchar lo cuenta un grupo reunido en la galería, donde lanzan crítica tras crítica cruel sobre el trabajo de la artista a sus espaldas. (Más adelante en la película, nos damos cuenta de que ella escucha todo.) Mientras tanto, Inés (interpretada por Camille Bacon), la mejor amiga de Anisa que también fue curadora de la muestra, pasa la noche persiguiendo a poderosos actores del mundo del arte mientras ignora la visible sensación de ansiedad y alienación de Anisa. Y la compañera del artista, Yasmine (interpretada por Richele Brainin), que es una estrella en ascenso en el campo, se pierde la inauguración, lo que deja a Anisa decepcionada, escéptica sobre su relación y cautelosa ante las diversas presiones que el mundo del arte ejerce sobre ella. Todo esto lleva a Anisa al borde de una crisis nerviosa y, al final de la película, queda claro que su noche de estreno nunca fue realmente suya.
Hiperalérgico habló con los tres codirectores de la película, Revista Júpiter la cofundadora Camille Bacon, el académico Youssef Boucetta y el artista josh Brainin, sobre las experiencias que influyeron en esta pieza, centrando las relaciones por encima de la ambición, y la crítica, tanto pública como privada, que da forma al mundo del arte.
Hiperalérgico: Los flujos y reflujos de la amistad son vitales no sólo para el mundo interno de la película, sino también para su producción: antes de que ustedes tres tuvieran una relación profesional, eran amigos cercanos. ¿Cómo interactúa tu amistad en el mundo real con las amistades representadas en la película?
Camille Tocino: Debido a que llegamos a esto como amigos, éramos, desde el principio, protectores muy feroces de las ideas y los mundos emocionales de los demás. Llegamos a profundizar, a través del acto de hacer la película, nuestra fluidez en el lenguaje de la interioridad de cada uno. Ahora que se estrenó la película, estoy comprometido a proteger no sólo los corazones y espíritus de Josh y Youssef, sino también los documentos de autoría colectiva que nacen de nuestro intercambio. Nunca antes había hecho una película. Esta colaboración se convirtió en un impulso para estudiar la forma. Josh y Youssef me dieron un regalo que sólo pueden presentar las personas que te aman: sabían que tenía algo que ofrecer al proyecto antes de conocerme a mí mismo, y me introdujeron en esa creencia.
h: ¿Y qué pasa con la intersección específica entre la amistad y el mundo del arte?
Youssef Boucetta: El mundo del arte actual está dominado por un espíritu comercial, y eso es a lo que hemos estado tratando de responder al considerar nuestras relaciones en sí mismas como una posibilidad de hacer algo artístico. También hay algo realmente interesante cuando haces una película que tiene muchas similitudes con los mundos en los que vives en la vida real, y donde el tipo de relaciones que representas tienen paralelos con la vida real. En ocasiones se pudo temer que lo que estaba sucediendo en la película se estuviera reproduciendo en la vida real. Y entonces nos dio la oportunidad de abordar eso de frente, de encontrar un lenguaje para la amistad a través de un lenguaje cinematográfico que represente precisamente lo que no se debe hacer en un espacio donde la colaboración, las actividades intelectuales y creativas se unen.
josh cerebro: Sí, resueno con eso. Siempre quise trabajar con Youssef y con Camille. Pero después de haber sido testigo de cómo las cosas pueden desmoronarse sin cuidado, no quería presionarme para hacer una película antes de sentir que podíamos entender las necesidades de cada uno como motor principal y no solo como colaboración. Y luego, naturalmente, surgió que, está bien, todas estas son nuestras pasiones de diferentes maneras. Así que trabajemos juntos. También disfruto mucho el marco conceptual de nosotros como trío. Youssef como académico, yo como artista, Camille como escritora.
h: Al comienzo de la película, y luego nuevamente al final, nos encontramos con estos críticos de salón comentando el trabajo de Anisa, en su mayoría hablando mal de él. ¿Cómo aborda la película la cuestión de la crítica y qué es o puede ser la crítica hoy?
CB: Esa secuencia fue completamente improvisada. No les dimos (a los actores) mucho contexto sobre qué era exactamente lo que estaban criticando porque no montamos la actuación en el set. El hecho de que todos ellos fueran capaces, sin práctica ni ensayo, de deslizarse tan fácilmente en la escena dice mucho de dónde estamos: hábiles en amaestrado crítica. Nuestro amigo dijo que lo único que no le parecía exacto acerca de la película era que la crítica se produjo en la galería donde el artista podía escucharla. Normalmente, se trata de opiniones que nos llevamos a casa y compartimos a puerta cerrada. Parte de mi misión con Revista Júpiterque produjo la película, sin embargo, es experimentar con contextos donde la crítica puede compartirse y participar en tiempo real, lo que implica aceptar un riesgo. La película fue, en cierto sentido, un ensayo de ese objetivo.
h: Sigue existiendo una relativa escasez de publicaciones críticas dedicadas al arte y los artistas negros, aunque, por supuesto, Júpiter ha hecho mucho para llenar esa laguna. ¿Cómo aborda la película el tema de la crítica en lo que respecta específicamente al arte negro?
jb: Realmente no quería apoyarme en la política de respetabilidad involucrada en mantener las cosas «despiertas» en los medios, lo que creo que puede limitar la humanidad, el rango emocional de los personajes y convertirlos en símbolos. Solo quería ver gente hablando críticamente sobre el trabajo de una persona, y resulta que eran negros, ¿sabes?
h: Los críticos en la escena caminan por una línea muy tenue entre la crítica y los viejos chismes. ¿Cómo negocia la película esa distinción?
YB: Los personajes hablan mucho unos de otros, se critican unos a otros. Entonces, el tipo de mecanismo cortante de pensamiento que están utilizando no está dirigido simplemente al trabajo, sino a todo lo que los rodea. Y hay algo de indiferencia en ello, pero también hay algo realmente indiscriminadamente justo en ello, donde es como, «Voy a asimilar estas diferentes realidades que me tocan y las procesaré a través de la misma máquina».
h: La película también comienza con una especie de epígrafe, una cita de Toni Morrison: «Estoy sugiriendo que debemos prestar tanta atención a nuestra sensibilidad como a nuestra ambición». ¿Puedes hablar más sobre esta idea y cómo funciona en la película?
CB: En la bibliografía comentada en la revista que hicimos para acompañar la película, escribimos que la cita de Morrison es «el sistema nervioso alrededor del cual armamos el cuerpo de nuestra película». Se convirtió en una especie de fuerza guía a lo largo de la delicada navegación que es trabajar con tus amigos, y nos acercó a la tensión interna en la dinámica de nuestro protagonista. Vemos a Anisa e Inés sacrificar sus “sensibilidades educativas” en favor de su “ambición”, lo que amenaza su amistad y la relación de Anisa con Yasmine.
h: Mencionaste el magnífico fanzine que hicieron y la bibliografía comentada que contiene. ¿Pueden todos hablar más sobre las referencias de las que se basa la película, de quiénes son las voces?
YB: Para nosotros era muy importante citar referencias más allá del cine y considerar que lo primero es el impulso de hacer algo, de representar una idea o un sentimiento, y lo segundo es la elección del medio. Citamos un DJ set de Crystallmess. También está Chris Marker La Jetéeque es en sí mismo transdisciplinario: es fotográfico, existe como un libro, pero en el fondo es una película y está hecho por alguien conocido como cineasta.
jb: Otra referencia importante son las películas que se están restaurando a través de Milestone Films y Maya S. Cade: en su mayoría son películas independientes de cineastas negras, cosas a las que no estuve expuesta en la escuela secundaria o en la licenciatura. Fue genial tener la oportunidad de presenciar esas películas, asimilarlas y hacer referencia a cosas que han estado enterradas durante mucho tiempo.
CB: todos vimos secolongso y Perdiendo terrenopor ejemplo, y esas dos películas en particular nos impulsaron a hacer una película que plantea preguntas similares desde un punto de vista diferente. Me pareció muy importante citar tanto a Cauleen (Smith) como a Bridgett (Davis) en la revista. Siento una enorme gratitud porque pude ver estas películas cuando tenía veintitantos años. Ojalá pudiera verlos cuando era adolescente y ahora, gracias al trabajo de Maya Cade, eso será posible para las generaciones futuras. Necesitábamos celebrar eso en la revista. En términos más generales, el zine habla de la importancia de una ética de citas, que queremos tejer en todo lo que hacemos. Hay una serie de textos que hacen cameos, incluido el catálogo del programa de Koyo Kouoh. Cuando nos vemosLegado Russell's feminismo fallido, y Tom Lloyd's Notas de arte negro. Filmamos en la biblioteca de la Galería Tala, fundada por nuestra amiga Francine Almeda. El proceso de selección también se seleccionó directamente de la arquitectura social de nuestras vidas reales; Incluimos personas con las que nos encanta pensar. Estamos en la preproducción de nuestro primer largometraje, que ya ha sido una oportunidad gloriosa para profundizar ese enfoque del casting.
