Cuando Melissa Joseph me dio una cálida bienvenida a su estudio de Midtown este otoño, inmediatamente me invitó a probar el fieltro con aguja, el proceso que utiliza para crear lo que ella llama sus “pinturas en fieltro”. Sintiéndome cohibido, pospuse las cosas lo más posible y, mientras tanto, hice preguntas. Pero Joseph insistió en que es la única manera de entender el medio, así que después de mi pregunta final, ella me cortó un pequeño rectángulo de acolchado de alfombra, me entregó la aguja y me invitó a sacar trozos de lana de colores brillantes de su gabinete. Mientras colocaba la lana en su lugar, de repente la entendí. Es meditativo y también un poco violento, lo que resulta curativo, junto con la suavidad táctil de la suave lana.
Las obras de fieltro de Joseph a menudo están encerradas y enmarcadas por pequeños contenedores: objetos encontrados como un botiquín de primeros auxilios antiguo, un ancla o una bandeja de plata. De esta manera, los recuerdos de familiares y amigos que ella representa en fieltro se mantienen como objetos devocionales o íconos religiosos. Joseph describe a su familia birracial con raíces tanto en India como en Irlanda. El dolor y la pérdida fueron un catalizador de su trabajo; Su carrera como artista comenzó después de la muerte de su padre en 2015. Joseph brinda atención a los momentos familiares sinceros, a veces incómodos, y al mismo tiempo otorga un nuevo significado a los objetos desechados que ella reutiliza con tanta ternura.
Nacida en Saint Marys, Pensilvania, en 1980, Melissa Joseph vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Antes de recibir su maestría en Bellas Artes de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en 2018, se formó y trabajó como diseñadora textil y profesora de arte en una escuela secundaria. Su trabajo se ha expuesto en el Brooklyn Museum, Delaware Contemporary, Utah Museum of Contemporary Art, MOCA Arlington, ICA San Francisco y List Gallery en Swarthmore College, entre otros. otras instituciones y galerías. Recibió el Premio UOVO 2025 del Museo de Brooklyn y el Premio Artists Now de la Eden Art Foundation 2025, y es colaboradora habitual de Revista BOMBA.
Jennifer Samet: ¿Puedes contarme dónde creciste y si estuviste expuesto al arte o si hiciste arte tú mismo?
Melissa José: Crecí en una Pensilvania rural antes de Internet. No teníamos obras de arte a nuestro alrededor, pero mi madre era una “señora de las fotografías”. Un par de veces al año venía a mi escuela con reproducciones de obras de Mary Cassatt, Salvador Dalí o la abuela Moses y hacía una presentación en el aula.
Crecí rodeada de gente haciendo cosas. Era lo que yo llamo una “cultura de cazuela” y una cultura de caza. Las familias tenían ciervos colgados en su garaje y preparaban la carne y hacían cecina. Las mujeres enlataban fruta y hacían mermelada. Los adultos nos enviaban a los niños al bosque con bolsas de basura para recoger pino molido. Regresamos cuando nuestras maletas estaban llenas y las usamos para hacer guirnaldas. No había muchos restaurantes, así que cuando alguien organizaba una fiesta, hacía el pastel; ellos hicieron las decoraciones. Tomé clases de costura, atado de moscas y seguridad para cazadores.
Mi abuela era una ávida tejedora y crochetera, y mi madre era costurera. Mi mamá me enseñó a punto de cruz y yo odiaba los patrones, así que me daba papel cuadriculado para que dibujara mi propio dibujo. Cuando hacía más calor estábamos afuera tocando, pero la otra mitad del año yo estaba adentro tocando instrumentos, aprendiendo a pintar con Bob Ross y pegando cosas en caliente en el sótano. Crecer en una ciudad siderúrgica explica mi conexión con la madera, la piedra, el óxido y el acero. Estas son cosas a las que no les prestas atención, pero que silenciosamente forman tu comprensión y tu estética.
JS: Ha hablado de cómo fue «tarde» a la escuela de posgrado, habiendo ya tenido carreras en diseño textil y enseñanza. ¿Qué te llevó a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y cuál fue tu experiencia allí?
MJ: Me alegro de haber ido a PAFA y haber comenzado en Filadelfia, que tiene un mundo artístico más pequeño y abierto. Didier William, que era presidente del programa MFA en ese momento, es la razón por la que estoy aquí. Tuve mucha suerte porque no entendía de qué se trataba un programa de Maestría en Bellas Artes. Solo quería estudiar en algún lugar y estar cerca de mi familia ya que mi papá acababa de morir. Pero Didier fue un maestro y líder verdaderamente excelente. Básicamente tenía un grupo heterogéneo de estudiantes y nos convirtió en artistas, como esa película. El equipo de ensueño.
JS: ¿Cómo descubriste el fieltro?
MJ: En 2020 vine a Nueva York para hacer una residencia en el Textile Art Center (TAC) en Gowanus. Nos enseñaron a tejer, a tejer y a serigrafiar. Un día vi a alguien fieltro mojado. Le pregunté a Isa Rodrigues, directora del TAC, qué era y si lo íbamos a hacer. Luego llegó el COVID-19 y se cancelaron las clases, pero se despertó mi interés. Empecé a ver vídeos de YouTube para aprender. Nos permitieron trabajar en el estudio, así que iba y probaba cosas. Al principio solo hacía trabajos abstractos, pero luego comencé a trabajar con imágenes. Supe de inmediato que era algo. Podía sentir lo viva que estaba la obra. Un día Isa dijo: “Sé que te gusta el fieltrado húmedo, pero creo que quizás te guste el fieltrado con aguja”. El fieltrado con aguja implica clavar el fieltro con agujas de púas en un respaldo para entrelazar las fibras de lana. Dejó una pequeña bolsa Ziploc en mi cubículo con agujas y espuma y me dijo que lo probara.
Desde entonces, he estado aprendiendo por mi cuenta. He probado a utilizar todo tipo de materiales como sustrato. Empecé con la seda, porque ya tenía fotografías impresas en seda. Probé con papel de corteza de México. Luego comencé a usar alfombras y protectores de moqueta, que resultaron perfectos, sobre todo porque son de fácil acceso.
JS: ¿Puedes hablar sobre tu archivo de imágenes? Sé que has trabajado principalmente a partir de imágenes extraídas de tus propias fotografías y álbumes familiares.
MJ: Empecé a utilizar mi archivo familiar justo después de la muerte de mi padre. Durante la pandemia, existía la sensación de que se desconocía el futuro, por lo que parecía un momento para mirar al pasado. El archivo era un lugar de indagación y curiosidad.
Últimamente no he estado usando el archivo; simplemente no me ofrece ese sentimiento. Mi madre falleció hace aproximadamente un año y desde entonces he estado trabajando fuera del archivo. Puede que sea demasiado pronto, pero no he sentido la presencia de mi madre cuando he tomado imágenes de ella. Con mi papá, cada vez que hacía una imagen de él, sentía como si regresara por un momento. Sé si una pieza es buena si capta esta esencia. Por un momento se vuelve animado y luego vuelve a ser lana.
En cambio, me he centrado en la colaboración, como mi colaboración con Kim Dacres el año pasado en Art Basel Miami Beach. Recientemente tuve una exposición en Berlín y colaboré con un amigo mío que es poeta. Se centró en temas de censura en ambos lugares. Ella escribió un poema que hacía referencia a Dante y lo usé como punto de referencia para las imágenes.
Siento la responsabilidad de contribuir a la conversación sobre la diáspora y la identidad birracial en términos de creación de imágenes. ¿Cómo se mueven las personas marrones y birraciales por el espacio y cómo se nos permite a nosotros movernos por el espacio? En mi archivo familiar, la familia irlandesa y la familia india están muy separadas culturalmente pero son parte del mismo archivo.
JS: Tengo curiosidad por saber cómo ha evolucionado el trabajo en los últimos cinco años. Parece haberse vuelto mucho más complejo en términos de las cualidades pictóricas que has podido extraer del fieltro.
MJ: Nunca antes me había sentido tan cómoda con un material, especialmente uno que no había usado, cuando encontré el fieltro. Pero creo que me he estado entrenando toda mi vida para trabajar con ello. Podría tomar todo lo que sabía sobre pintura y aplicarlo. También apliqué todo lo que sabía sobre escultura, fotografía, composición, diseño e historia del arte. Si hubiera empezado a sentir a los 20, no creo que hubiera hecho que esto funcionara.
Sin embargo, es interesante haber encontrado un medio con el que me identifico tan auténticamente a los 40 años. A veces me pregunto si esto es lo que siente la gente cuando decide casarse: que ha conocido a tanta gente, pero que esta es la persona con la que quiere casarse.
Estoy trabajando en una pieza con fondo negro, que muestra a un hombre encendiendo una bengala del 4 de julio. He estado pensando en cómo puedo crear transparencias en el fieltro y cómo puedo hacer que una superficie parezca metálica cuando, por naturaleza, el fieltro no es un medio transparente. Todavía estoy aprendiendo a crear estos efectos en lana, y es de prueba y error.
JS: Tengo curiosidad por saber si piensas en tu trabajo como pinturas en fieltro. En general, ¿cuál consideras que es tu linaje artístico?
MJ: Me considero proveniente de una estirpe de pintura. Son absolutamente pinturas en fieltro. No se sienten por sentir. Los quiero colgados junto a los cuadros y quiero que se discutan de la misma manera. Pero lo que también me gusta de ellos es que siempre son un poco torcidos. Por eso es difícil tomarlos demasiado en serio.
Los considero sinceros y, para mí, sincero es un cumplido. Mi personalidad es un poco caprichosa y rara. Quizás esto se deba a cierto mecanismo de supervivencia que he desarrollado. Viviendo en un cuerpo moreno y siendo mujer, aprendí a ser desarmante. Ser peculiar y divertido es una forma de no parecer una amenaza. Por supuesto, también soy extremadamente dedicado, ambicioso y reflexivo. Nuestro arte es un reflejo de nosotros.
No creo que sea tan rudo como ella, pero Faith Ringgold es una heroína para mí. Creo que algo a lo que me inclino naturalmente es forzar la forma. Quiero hacer algo con el material que otras personas no hayan hecho.
No hay mucha gente trabajando así. Pienso en mi trabajo en conversación directa con la historia de la pintura y también con los pintores contemporáneos. Hay un artista austriaco, Marlon Wobst, que hace fieltro húmedo y crea hermosos trabajos que parecen relacionados con las pinturas de Katherine Bradford. El fieltro húmedo crea un cambio estructural en las moléculas de la lana. Es repelente al agua, antimicrobiano e ignífugo. Es un recurso renovable que no daña al animal. El proceso es muy hermoso y simple, pero se necesita mucha gente trabajando en comunidad para hacer una pieza grande.
La forma en que trabajo con la lana es reversible. Si no te gusta, puedes sacarlo. Pero cuanto más se apuñala la lana, más se incrusta. Me gusta esa cualidad del fieltrado con aguja: no están fijos. No se moverán por sí solos, pero podrían recuperarse en un mundo post-apocalíptico si la gente necesitara hacer algunas mantas rápidamente. El color puede deteriorarse con el tiempo y eso no me importa. No podemos quedarnos con todo para siempre.
Para mí es importante reconciliar cosas opuestas: lo duro y lo blando, lo encontrado y lo hecho. Por eso he ido combinando el fieltro con cuerpos de arcilla o incrustándolo en objetos encontrados, como cajas de madera, ladrillos o en objetos utilitarios de metal. Para mí, está relacionado con ser birracial. Mi trabajo es siempre una búsqueda de la plenitud.
