El arte de la hospitalidad desafiante de Ruth Asawa

«Fue la primera vez en mi vida que no tuve que hacer nada», dijo Asawa más tarde. Tomó lecciones de dibujo de tres animadores de Disney en prácticas en una escuela ad hoc para los niños del campamento. En 1943, se le permitió abandonar el campamento en Arkansas y matricularse en una escuela de profesores en Milwaukee, donde esperaba convertirse en profesora de arte, sólo para que las escuelas locales xenófobas le prohibieran enseñar. Un compañero de clase la instó a probar Black Mountain College, el experimento inspirado en la Bauhaus en Carolina del Norte donde los estudiantes cultivaban, estudiaban y vivían junto a sus profesores como iguales.

Asawa prosperó entre una cohorte ahora legendaria. Sus compañeros de clase incluyeron Ray Johnson y Robert Rauschenbergy sus profesores incluidos Buckminster Fuller, Willem de Kooning, John Jaulay Albers, quienes, junto con su esposa, Anni, tomaron especialmente a Asawa bajo su protección. Ella absorbió las lecciones de transparencia de Albers, la lógica geodésica de Fuller y el espíritu agrario de la escuela, ordeñando vacas y batiendo mantequilla para cumplir con su cuota de trabajo y estudio. “Tuvimos que hurgar”, recordó, sobre la pobreza perenne de Black Mountain. Cerca del comienzo de la retrospectiva, hay una pintura de pastillas brillantes que hizo en el reverso de un sobre y una impresión en espiral creada a partir de repetidos sellos de lavandería.

Encontró una salida más duradera a sus preocupaciones geométricas durante un verano en México, donde aprendió a “tejer” con alambre. En los mercados de Toluca, los vendedores utilizaron esta técnica para fabricar portahuevos, pero Asawa quedó cautivado por la transparencia del material, tipo “ala de insecto”. Comenzó con cestas sencillas (una de ellas se convirtió en una bandeja de correo para los Albers) y pronto descubrió que, al cerrar los formularios, podía anidarlos y colocarlos en capas en infinitas permutaciones.

La artista Ruth Asawa haciendo esculturas de alambre.

Uno de los principales placeres del programa es presenciar esta explosión cámbrica, que se desarrolló durante los años cincuenta y sesenta. Al principio, hay esferas caídas y pesas, hiperboloides de alambre dorado que sugieren coronas. Rápidamente, comienza a apilar las formas verticalmente, como hojas de algas. Las formas flotan dentro de formas con una seductora inverosimilitud: ¿Cómo termina una pequeña esfera flotando en un boliche que se asienta en lo que parece la boca de una trompeta? Asawa trabajó de adentro hacia afuera, deteniéndose justo antes de cerrar el ombligo de una forma para poder invertir el curso y girar una segunda piel a su alrededor. Aspiraba a evocar transformaciones orgánicas y escribió que «se puede lograr la sensación de observar la metamorfosis mediante la agrupación de formas relacionadas a distancias estudiadas».

Fácil de pasar por alto entre las esculturas que cuelgan durante todo el espectáculo es una banda plateada envuelta alrededor de un guijarro negro. Es el anillo de bodas de Asawa, diseñado por Fuller para su matrimonio con otro estudiante de Black Mountain, Albert Lanier, en 1949. Durante los siguientes nueve años, entre los más creativos y fecundos, Asawa dio a luz a seis hijos, que jugaban junto a ella e incluso la ayudaban con su trabajo. “Mi casa era y es mi estudio”, dijo Asawa sobre su casa, donde una amiga de la familia, la fotógrafa Imogen Cunningham, a menudo hacía crónicas de estas colaboraciones intergeneracionales.

Había pocos límites entre la amistad, la creación artística y la vida cotidiana. Después de que alguien le regalara una planta del Valle de la Muerte, Asawa comenzó a hacer “esculturas de alambre atado”, agrupando docenas de hebras y luego dejándolas extenderse en haces más pequeños, en un eco de la forma en que se dividen las ramas. Recordando las plantas rodadoras y los fractales en forma de copos de nieve, son más angulares y de textura más variada que las formas colgantes. Asawa incluso experimentó con la galvanoplastia, creando efectos que evocaban la corteza nudosa de un árbol. Luego, en 1985, el lupus puso fin prematuro a sus experimentos con cables. Sin inmutarse, recurrió al dibujo y a la acuarela, representando a menudo plantas de su jardín. También siguió esculpiendo en metal, aunque de forma diferente, y con manos ajenas.

Asawa creía que dejarse guiar por los materiales era similar a ser padre. “Lo que haces es pasar a un segundo plano, tal como un padre permite que su hijo se exprese”, dijo. A veces el vínculo era más que una analogía. Buscando formas de mantener ocupados a sus hijos, Asawa comenzó a mezclar harina, sal y agua con arcilla de panadería, que moldearon en pequeñas figuras y las alinearon sobre el piano familiar. En 1968, introdujo la técnica en el Taller de Artes de la Escuela Alvarado, un programa que ella cofundó para acercar artistas en activo a las aulas públicas. Su éxito llamó la atención de un arquitecto, quien pronto le pidió que diseñara una fuente para Union Square.