Veinticinco años después del inicio del siglo XXI, la cultura es marcadamente diferente a la del milenio anterior. La vida cotidiana nunca ha contenido más cosa—Un carrete interminable de palabras, ideas, juegos, canciones, vídeos, memes, declaraciones escandalosas, crisis de celebridades, trucos de vida, animales extremadamente talentosos. Sin embargo, el público puede sentir lo que falta. A pesar de toda la energía que la sociedad invierte hoy en día en la cultura, poco ha surgido que parezca nuevo y, ciertamente, nada lo suficientemente revolucionario como para dejar atrás el pasado.
Algunos comentaristas han argumentado que El progreso cultural está estancado.. En La crisis de la culturapublicado en inglés en 2024, el politólogo francés Olivier Roy afirma que el canon ha sido abandonado, las subculturas han sido reducidas a grupos identitarios superficiales y el mercado se lo ha tragado todo. Como diagnóstico completo, esto parece demasiado pesimista. En su definición más amplia, la cultura siempre existe y las subculturas permanecen; sólo que ahora hay menos conspicuas y tienen menos influencia. El canon no está muerto; el problema, más bien, es que proyecta una sombra demasiado larga sobre el presente. Kurt Cobain hubiera querido que los músicos y oyentes de la próxima generación mataran a sus ídolos, incluido él. En cambio, usan su rostro en camisetas.
Aún así, la persistente reverencia hacia Cobain y otros artistas más importantes del siglo XX sugiere un respeto colectivo profundamente arraigado por los agentes del cambio cultural radical. Lo que falta ahora es una veneración por la mentalidad artística, que posee la imaginación para rechazar el kitsch (arte que comercia con fórmulas gastadas, emociones acumuladas y comprensibilidad inmediata) y realizar trabajos que amplíen las posibilidades de la percepción humana. Para lograrlo, es necesario que al menos algunos creadores del ecosistema cultural se esfuercen por lograr la complejidad, la ambigüedad y la experimentación formal, atributos que impulsan las obras maestras que atraen a millones de personas cada año a los museos.
El primer paso para revertir el estancamiento cultural es aceptar que la invención artística es un bien social. Y como tantos otros bienes sociales, su producción no necesariamente tendrá como prioridad el mercado. Nosotros, tanto los creadores como el público, tenemos que hacer un esfuerzo para fomentar nuevas formas audaces de cultura. Incluso los fracasos y los pasos a medias serán más interesantes que los productos demasiado probados en el mercado.
Restaurar la invención cultural no requiere cambiar radicalmente las industrias actuales; sólo se necesita una pequeña vanguardia para cambiar su dirección. A lo largo de la historia, enclaves dedicados, como los artistas de vanguardia de principios del siglo XX y las subculturas urbanas de finales del siglo XX, han buscado la innovación sin la promesa de una recompensa financiera inmediata. Crear más comunidades de este tipo y apoyarlas es crucial.
Quizás la forma clave de hacerlo sea restaurar incentivos no económicos y colectivamente significativos para la creación de arte. Durante más de un siglo, las personas más creativas del mundo han desconfiado de “normas sociales.” Después de todo, las normas eran la base de la respetabilidad de la clase media (lo mismo que sofocaba el genio) y, a mediados del siglo XX, ser “cool” significaba rechazar las convenciones formales. Al final, un gran número de corporaciones multinacionales estuvieron de acuerdo: costumbres, modales y tabúes. eran meros obstáculos a la expansión del mercado.
El resultado fue un mundo en el que sólo el dinero proporcionaba una sentido universal del valor. A su vez, la erosión de las normas nos dejó indefensos frente a los oportunistas desinhibidos que aprendieron a piratear el sistema. Los medios de comunicación han amplificado diligentemente cada ultraje y los infractores de las normas, como Kanye West (que ahora se hace llamar «Ye») y Donald Trumpemergieron como nuestros líderes culturales solo por su gran volumen de contenido.
Pero las normas sociales siguen siendo una herramienta poderosa para garantizar que el interés propio no erosione el bien colectivo. Consideremos el tabú de finales del siglo XX contra “vendiendo«, una norma que alejó a los artistas jóvenes de perseguir la riqueza mientras desarrollaban su arte. Debido a que la experimentación rara vez daba frutos en el corto plazo, las recompensas sociales (estatus, respeto, admiración) se volvieron vitales para sostener a los artistas en el camino de la invención.
Los críticos juegan un papel importante en este proceso. Aunque los críticos han estado escribiendo sobre la cultura popular durante décadas, tradicionalmente habían utilizado sus plataformas para enaltecer trabajos atrevidos e innovadores. Estas críticas positivas confirieron estatus a los artistas, ayudando al público a sentirse orgulloso de su afinidad por las obras “de culto”. El director David Lynch. murió una leyenda debido al apoyo crítico y al fandom de culto, no a las recompensas del mercado.
Sin embargo, esta no es la dirección en la que se dirigieron las críticas en el siglo XXI. A un grupo emergente de críticos le preocupaba que la cultura compleja y experimental fuera inherentemente elitista, utilizada por los educados para hacer que todos los demás se sintieran inferiores. Desde este punto de vista, desestimar la cultura pop no era sólo esnobismo; negó a la gente su derecho a disfrutar de sus canciones favoritas. Pero al centrarse demasiado en lo que era popular, los críticos comenzaron a escribir sobre la cultura como si fueran deportes, concentrándose más en las ligas mayores.
Pero la cultura no es deporte. Las ligas menores de subculturas especializadas y comunidades marginadas siempre han sido las Crisoles de innovación más importantes. Los consumidores pasivos indiferentes (o incluso hostiles) al arte elevado pueden no buscar activamente trabajos desafiantes, pero instintivamente se aburren con la repetición. La longevidad del hip-hop proviene de su capacidad para seguir el ejemplo de sus jóvenes turcos, lo que resultó en una cadena de evolución estilística que duró décadas. Cuando los críticos niegan esta dinámica central centrándose demasiado en los grandes actores, ayudan a crear un panorama que parece estancado, incluso si están sucediendo cosas interesantes en alguna parte.
Un enfoque crítico mucho más amplio implica pensar en la cultura como una especie de terruño. Cuando se celebra a los artistas con visión de futuro, sus ideas originales eventualmente permean otras capas del ecosistema cultural, asegurando que incluso la cultura dominante se vuelva vibrante y emocionante en lugar de reciclar interminablemente su propio pasado. Todos ganan. Los críticos y creadores de tendencias desempeñan un papel esencial en este trabajo, pero deben hacerlo, como dijo el fallecido teórico cultural Mark Fisher. escribióabandonar el cinismo y volver a creer que las audiencias son capaces de interactuar “con productos culturales que son complejos e intelectualmente exigentes”.
Los propios artistas también tienen que repensar su trabajo más allá de la búsqueda individual de fama y ganancias. Todo movimiento cultural duradero (hip-hop, rock, punk, streetwear) comenzó como una comunidad aislada y muy unida de pares con ideas afines que se formó a partir de una insatisfacción con lo convencional y un profundo deseo de crear algo nuevo. Históricamente, estas subculturas existieron en espacios del mundo real (clubes, parques de patinaje, bares, lugares de bricolaje) donde las ideas evolucionaron orgánicamente.
Hoy en día, estas subculturas han migrado en gran medida a Internet. Aunque los espacios digitales permiten a las personas encontrar sus nichos más fácilmente, la omnipresencia de la cultura pop significa que algunas de las subculturas más enérgicas son ahora comunidades de fans dedicadas al entretenimiento del mercado masivo existente, o trolls nihilistas cuyas innovaciones es poco probable que alguna vez inspiren a artistas que valgan la pena. Sin embargo, las subculturas que operan según el viejo modelo (como las drag queens, el simulacro de Chicago y el trap de Atlanta) han remodelado profundamente la cultura en general. Los consumidores tradicionales todavía anhelan la energía de la innovación subcultural y disfrutan viendo ideas underground fusionadas con estilos comerciales. Pero los lugares existentes de donde sacar provecho están casi agotados, y revivir la cultura requiere una nueva generación de outsiders dispuestos a crear sus propios movimientos desde cero.
Desafortunadamente, el ecosistema mediático actual lo desalienta. Las principales plataformas de Internet alientan a los creadores a perseguir la viralidad en lugar de cultivar comunidades más pequeñas y autosostenibles. Las marcas globales se burlan de acuerdos lucrativos con artistas emergentes y microinfluencers, reforzando la idea de que “conseguir la bolsa” es el objetivo final. Como ha observado el crítico de arte Jerry Saltz: “Es casi imposible que las frágiles escenas subterráneas crezcan, se nutran y echen raíces, especialmente cuando nos movemos a la velocidad de la luz”. Ice Spice, que surgió en la escena de los simulacros, enfrentó poca oposición por recibir dinero de Dunkin'. En una era en la que vivimos como marcas personales, cada decisión se toma para aumentar nuestro propio valor para los accionistas.
Hacer arte con significado duradero requiere resistir la atracción de la exposición instantánea y las adquisiciones tempranas. Debemos pensar en formas de alentar a los artistas a desaparecer en sus propios mundos por un tiempo, desarrollando ideas alejadas de la influencia y asimilación corporativas. No todos tendrán la disciplina o la capacidad para esto, pero aquellos que la tengan o puedan moldear el futuro. Y lo menos que pueden hacer los críticos y los fanáticos es darles estima –cuando esté justificada– por intentar hacer avanzar la cultura, en lugar de ignorarlos como marginales, castigarlos como pretenciosos o menospreciar sus puntos de vista. Los últimos 25 años nos han enseñado que la economía y los medios contemporáneos no darán prioridad a la invención creativa. La pregunta es: ¿lo harás?
Este artículo ha sido adaptado del nuevo libro de W. David Marx., Espacio en blanco: una historia cultural del siglo XXI.
Por Marx, W.David
Cuando compras un libro usando un enlace en esta página, recibimos una comisión. Gracias por apoyar El Atlántico.
