La obra maestra pasada por alto llena de mensajes codificados sobre la Primera Guerra Mundial

Esotérico y pionero, las pinturas de una prerrafaelita menos conocida, Evelyn de Morgan, exploraron el trauma y el significado de la guerra, y el arte de fantasía actual prefigurado.

En una playa rocosa que brilla en rojo con lava, los dragones que respiran humo rodean prisioneros de aspecto miserable suplicando a un ángel para que los entreguen del sufrimiento. La muerte de la pintura al óleo del dragón de Evelyn de Morgan se ve al principio como una escena del Libro de Revelaciones Apocalíptico del Nuevo Testamento. Pero, pintado entre 1914 y 1918, también es algo más personal y crítico: una alegoría para la miseria y la esclavitud de la Primera Guerra Mundial, y la confrontación entre el bien y el mal.

El espectáculo coincide con la reapertura del Museo De Morgan en Barnsley, Yorkshire, después de una extensa renovación de techos, y responde a un interés creciente En este artista menos conocido. Ella ha tendido a ser eclipsada por su esposo William, una ceramista y escritora, que había trabajado al principio de su carrera con el diseñador textil William Morris – y los hombres famosos en su círculo: su tío y maestro de arte, John Roddam Spencer Stanhope, por ejemplo, y los pintores William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti. Gran parte de lo que sabemos sobre De Morgan hoy proviene de su hermana Wilhelmina, quien estableció la Fundación De Morgan, pero incluso ella consideró adecuada para publicar la biografía póstumo de la pareja bajo el título William de Morgan y su esposa.

Sin embargo, Evelyn de Morgan merece la aclamación tardía del mundo del mundo. Una graduada de Slade, que trabajaba al final del movimiento prerrafaelita, llevó el género de twee o demasiado sentimental en un nuevo territorio, creando cuadros que eran inusualmente visionales y enérgicos. Las mujeres que retrató eran menos pasivas que las representado por sus contemporáneosy presentados como símbolos de la agencia en lugar de objetos de la mirada masculina. En lugar de un cuerpo ahogado flotando río abajo, como en Sir John Everett Millais ' Ofeliao cifras cuya moneda principal era su aspectonos encontramos con un hábil Hechicera creando pociones mágicas y superhéroes voladores ¿Quién puede lanzar lluvia, truenos y rayos de sus dedos?

Estas figuras similares a la diosa muestran la influencia del arte clásico que De Morgan había estudiado. Obras inmaculadamente ejecutadas como Boreas y Oreithyia (1896) revelan su interés en la mitología y su dominio de la forma humana, que recuerda a Miguel Ángel.

En la muerte del dragón, en términos de composición, es fácil ver la influencia de Sandro Botticelli's El nacimiento de Venus (1483–1485), que De Morgan había visitado en Florencia. Si el ángel halo de De Morgan se hace eco de esta idea de renacimiento, reflejando la creencia del artista en una vida futura espiritual, entonces las bestias aladas son su contraparte, la muerte, siempre mordiendo los talones de la gente y amenazando con superarlas. En otra parte de su trabajo, la muerte toma formas alternativas: un Angel oscuro con una guadaña, monstruos marítimos o – más oblicuamente – un temporizador de arena. Es un simbolismo que habla de la transiencia de la vida, y adquiere conmoción adicional en su trabajo posterior, transmitiendo el trauma colectivo de vivir a través de una guerra mundial que se afirma cerca de un millón de vidas británicas.

«Durante la Primera Guerra Mundial (los Morgans) estaban en Londres, por lo que habrían sido directamente afectados», dijo Jean McMeakin, presidente de la Junta de Síndicos de la Fundación De Morgan, a la BBC. «La muerte fue real para ellos de una manera que tal vez hemos olvidado en gran medida en estos días», señala. «Los miembros de la familia de William murieron de tuberculosis, y su propia salud a menudo era bastante pobre. La muerte estaba, en cierto modo, siempre presente en el fondo».

De Morgan era pacifista y su arte se convirtió en una forma de activismo. En Nuestra Señora de la Paz (1907), una respuesta a Boer Wars, un caballero suplica la protección y la paz, mientras está en El pobre hombre que salvó a la ciudad (1901), la sabiduría y la diplomacia se defienden como alternativas a la intervención militar. Más tarde, en La Cruz Roja (1914-16), los ángeles llevan al Cristo crucificado sobre un paisaje marchito perforado por tumbas de la guerra belga, una sugerencia, tal vez, que la fe cristiana está en desacuerdo con la brutalidad de la guerra, pero nos ofrece esperanza de redención. «Nunca debes alabar la guerra», declaró De Morgan en el resultado de un experimento (1909), un libro de «Escritura automática» coautor de su esposo. «El diablo lo inventó, y no puedes tener concepción de sus horrores».

La idea de las fuerzas del bien y el mal actuando sobre la gente común era generalizada en este momento. «El espiritismo fue bastante popular», afirma McMeakin, citando al autor Sir Arthur Conan Doyle, el creador de Sherlock Holmes, como uno de sus adherentes más famosos. Otras creencias del mundo, dice, fueron «probablemente el resultado de la agitación, los cambios masivos que ocurren en la sociedad previos al cambio de siglo, más un período de muchas guerras, lo que habría tenido un impacto en su visión del mundo». Sin duda, De Morgan también fue influenciado por su suegra, Sophia, una conocida espiritualista y medio. Con tantas vidas perdidas, sin duda fue tentador creer que podías volver a conectarte con los difuntos.

Para De Morgan, el materialismo estaba en oposición a la espiritualidad, y muchas de sus obras combinan la búsqueda de la riqueza con la muerte. Las coronas, tal como las usan las serpientes aladas en la muerte del dragón, son un motivo repetido que denota la codicia y la miseria. En Terrestre (1897), un avaricioso rey en una capa de oro estampada con monedas está a punto de ser abrumado por el ángel de la muerte, mientras está en La puerta barrada (c.1910-1914), se le niega una figura similar que ingrese al cielo.

Con el futuro tan incierto, De Morgan coloca la importancia de la satisfacción espiritual y la felicidad en el centro de gran parte de su trabajo. En Ceguera y copa que persigue la alegría de la ciudad (1897), por ejemplo, «Cupidez» se personifica como una figura coronada que agarra los tesoros que está alejando la «alegría» en forma de ángel. Aquí, como en la muerte del dragón, los personajes centrales están encadenados, lo que sugiere almas atrapadas.

En El prisionero (1907-1908), la ventana barrada y las muñecas encadenadas de una mujer hacen del cautiverio una metáfora de la desigualdad de género, insinuando el apoyo de los Morgans para sufragio universal (Evelyn era una firma de al menos dos peticiones importantes, mientras que su esposo era vicepresidente de la Liga de Menicientas por sufragio femenino). El tema se repite en Luna (1885), donde el cuerpo de una diosa de la luna, una figura mitológica del poder femenino, funciona como una metáfora de la lucha de una mujer para influir en su propio destino.

Cristado «María», Evelyn luego adoptó su segundo nombre neutral en el entonces género, ya que el arte de las mujeres no fue tomado en serio. «Ella quería ser considerada en el mismo nivel que sus compañeros masculinos», dice McMeakin. «Podemos asumir un gran grado de auto posesión y determinación en su deseo de convertirse en una artista profesional», agrega, señalando que incluso la madre de Morgan se opuso a su elección de carrera.

Técnicamente, De Morgan también fue pionero. Experimentó con el pigmento de oro bruñido y frotando en sus obras para agregar profundidad e interés, y exploró nuevas técnicas de pintura inventadas por su esposo, hechas por colores con glicerina y espíritu. Estilísticamente, ella también se adelantó a su tiempo. El uso no convencional de rosas y púrpuras, y los anillos audaces de la luz de color arco iris, prefigurar el estilos de pintura psicodélica de la década de 1970, mientras que sus monstruos aterradores no se verían fuera de lugar en arte de fantasía contemporáneo.

Si bien la historia del arte ha tendido a pintar a las mujeres como madres virgen, objetos de belleza o tentres, la perspectiva específicamente femenina de Morgan las reformula como figuras de esperanza de que auguren un futuro alternativo y más brillante. En Lux en tenebris (Luz en la oscuridad) (1895), por ejemplo, la figura femenina sostiene una rama de oliva en su mano derecha, ofreciendo un camino hacia la paz. En la muerte del dragón, el ángel está rodeado por un magnífico arco iris: un símbolo (junto con el cielo) de alegría que denota el cumplimiento y la libertad espirituales, así como la promesa de una vida futura.

Es un error pensar en obras como la muerte del dragón como «completamente sombrío», argumenta McMeakin, señalando que «a menudo con (sus) escenas apocalípticas, hay un rayo de esperanza o una parte de la pintura que está tranquila». En muchos sentidos, la muerte del dragón es optimista, expresando la sensación de que la guerra, el dragón metafórico, está llegando a su fin, y ese bien puede superar el mal. En esta batalla existencial, De Morgan vio un lugar para su trabajo. Cuando tenía solo 17 años, se castigó por no pintar lo suficiente. «El arte es eterno, pero la vida es corta», escribió en su diario. «Ahora lo compensaré, no tengo un momento que perder».