El enigmático artista y músico Llyn Foulkes falleció el jueves 20 de noviembre en su casa de Los Ángeles. La noticia fue confirmada por su hija, Jenny Foulkes, quien señaló que informes anteriores indicaban erróneamente la fecha de su muerte. Tenía 91 años.
A lo largo de sus siete décadas de carrera, Foulkes creó pinturas, piezas de ensamblaje, construcciones y música que exploran la historia estadounidense, las caricaturas, la política y su propia autobiografía en una obra diversa, que mezcla humor negro y crítica mordaz con una vitalidad táctil. Era un artista voluble que nunca quiso quedar atrapado en un solo estilo, aunque tal vez fuera más conocido por su cabeza sangrienta pinturas, retratos cuyos sujetos parecían tener la cabeza abierta, desollada o desfigurada con elementos de collage.
«Llyn Foulkes fue una artista por excelencia de Los Ángeles», dijo Ali Subotnick, quien fue curador de una Retrospectiva de Foulkes 2013 en el Museo Hammer, dijo Hiperalérgico. “A través de sus pinturas ferozmente originales y cuadros de técnicas mixtas, satirizó íconos de la cultura popular, criticó la mercantilización de la vida estadounidense e ilustró la violencia y las contradicciones inherentes a nuestra identidad nacional”.
Foulkes nació en Yakima, Washington, el 17 de noviembre de 1934. Se mudó a Los Ángeles a mediados de la década de 1950 para asistir al Chouinard Art Institute (ahora Instituto de las Artes de California). Sus primeros trabajos incluyeron paisajes monocromáticos de formaciones rocosas del sur de California y pinturas de postales adyacentes al arte pop.
Poco después de obtener su licenciatura, Foulkes consiguió una exposición individual en el histórico Galería Ferus en 1961, seguida de una exposición en el Museo de Arte de Pasadena (ahora Museo Norton Simon) un año después. En 1964, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles adquirió su obra, siendo la primera institución en hacerlo.
A pesar de estos primeros éxitos, la carrera de Foulkes estuvo definida por una serie de altibajos, debido en parte a su rechazo a un estilo consistente.
«Llyn continuó reinventándose, cambiando continuamente caminos conceptuales, estéticos y materiales», dijo Adam Miller, cofundador de The Pit, un espacio dirigido por artistas que albergaba la exposición de Foulkes. espectáculo final a principios de este año.
En la década de 1980, Foulkes comenzó a incluir a Mickey Mouse en su trabajo, apuntando al personaje como un símbolo de banalidad corporativa y lavado de cerebro. En «El beso corporativo» (2001), Foulkes hace una mueca cuando el roedor de dibujos animados se inclina para besarle la mejilla. Sosteniendo una pistola, ajusta cuentas en «Liberación(2007), mientras Mickey yace en el suelo, con humo saliendo de un agujero en su pecho.
A estos les siguieron cautivadores relieves hechos de madera tallada, telas y, en un caso, un gato momificadoque retrataba una especie de bucólica americana de mediados de siglo y la podredumbre que yacía justo debajo de la superficie. “Pop” (1985-1990), un montaje de medios mixtos con música de 10 pies de largo (~3 metros de largo), describe una escena doméstica disfuncional: un padre con ojos saltones (que se parece a Foulkes) mira fijamente la televisión, consolado por una esposa o una hija, mientras su hijo entra con un walkman y su cuaderno proclama: “Seré un buen estadounidense”.
Paralelamente a su carrera en artes visuales, Foulkes era un ávido baterista y aparecía con su Rubber Band en la esta noche Show con Johnny Carson en 1974. En 1979, debutó con su one-man band, un artilugio de trompetas, campanas y tambores titulado «The Machine» con el que continuó actuando durante décadas.
Foulkes se definió por su visión intransigente, una cualidad que a menudo lo puso en desacuerdo con miembros del mundo del arte convencional. «Era una persona muy genuina, hasta el extremo», dijo Jenny Foulkes. Hiperalérgico. «O lo amabas o lo odiabas. Nadie se sentía neutral».
El curador Paul Schimmel lo expresó de otra manera: “Prefería pegarse un tiro en el pie que ser un peón del mundo del arte”. Schimmel incluyó a Foulkes en la exposición fundamental de 1992. Helter Skelter: El arte de Los Ángeles en la década de 1990 en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA), que trazó las posibilidades artísticas de la próxima década. Casi dos décadas después, invitó a Foulkes a mostrar su trabajo en Bajo el gran sol negro en 2011, que a su vez repasó el arte de California en la década de 1970, también en el MOCA.
“Eso fue un poco como su carrera”, dijo Schimmel. «Es brillante, original, al revés y al revés».
Foulkes anhelaba el reconocimiento que creía merecer, pero se negó a “jugar el juego”, según The Dark Bob, un artista que conoció a Foulkes durante 50 años. «No tenía capacidad para charlas triviales ni interés en encantar a los elitistas burgueses en el escalón superior del mundo del arte», dijo.
En el documental de 2013 Llyn Foulkes Un hombre bandase lamentó el artista: «En Los Ángeles no les agrado aquí. A los artistas sí, pero a los críticos no, a pesar de que todo lo que he hecho ha sido sobre Los Ángeles. En mi propia ciudad me siento ignorado».
Eso cambiaría con su retrospectiva del Hammer Museum ese mismo año, que viajó al New Museum de Nueva York y al Museum Kurhaus Kleve de Alemania, iniciando un período de renovado interés por su obra.
Le seguirían exposiciones individuales en David Zwirner en Nueva York, Sprüth Magers en Los Ángeles y Berlín, y Gagosian en Beverly Hills, aunque Foulkes nunca se conformó con estas galerías de primera línea.
“Es el artista más visceral, valiente, confrontativo y franco que he conocido o conoceré”, dijo Craig Krull, cuya galería homónima organizó una de las últimas exposiciones del artista en 2024. “En estos tiempos escandalosos, a menudo me pregunto por qué no hay más artistas como Llyn Foulkes”.
