«¿Quién era Marian Spore Bush?» La pregunta comienza un ensayo de Bob Nickas, quien seleccionó la exposición Marian Spore Bush: Life Afterlife, Works c. 1919–1945actualmente en Karma. La primera exposición individual del artista en casi 80 años, se siente extraordinariamente moderna tanto en estilo como en contenido. Las acuarelas vívidas y saturadas de flores y alegorías cristianas en la habitación trasera coquetearon con ingenuidad tanto como asienten a la historia del arte. En el espacio principal hay grandes representaciones de escenas sombrías (por ejemplo, cuerpos inmersos en agua o en una balsa, junto con criaturas aviar formidables) que se basan en lo surrealista y lo grotesco.
Entonces, ¿quién era Spore Bush? Ella nació en 1878 en Bay City, Michigan. Estudió odontología en la Universidad de Michigan y estuvo entre las primeras dentistas del estado. Después de que su madre murió en 1919, usó una junta de Ouija para contactarla, y comenzó a recibir mensajes de artistas fallecidos que la instaron a hacer la pintura. Al año siguiente, dejó su práctica de odontología y se mudó a Nueva York para dedicarse al arte y al trabajo de caridad; Mientras organizaba un comedor de comas, conoció y finalmente se casó con el millonario Irving Bush.
Es el tipo de narración convincente en el mundo del arte, o casi cualquier audiencia, devora: trapos (o clase media) a riquezas, espiritualismo, oscuridad y redescubrimiento, todo en una figura fascinante. La encuesta Guggenheim 2018-19 de Hilma AF Klint resurgió la narrativa de la artista de mujer autodidacta y visionaria, a menudo desconocida o olvidada por el mundo del arte hasta su «descubrimiento» póstumo o tardío, como un tropo popular. Es fácil leer la historia de Spore Bush y ubicarla en este linaje, y el ensayo de la exposición lo hace, junto con AF Klint, cita a Agnes Pelton, Emma Kunz, Paulina Peavyy Gertrude Abercrombieartistas dispares cuyos puntos en común notables son sus inclinaciones espirituales y su género.
No hay duda de que Spore Bush y su trabajo merecen reconocimiento. Pero este encuadre, particularmente cuando existe poca literatura sobre ella, debería plantear algunas preguntas. ¿Quién actúa como el descubridor, quién cuenta la historia, cómo la cuentan y cuáles son sus efectos de ondulación?
Temáticamente, sus tardías pinturas en su mayoría Grisaille recuerdan un conjunto diferente de artistas, incluidos Goya, Otto Dix y Käthe Kollwitz, cuyo arte aborda la violencia, la lucha y la salvación. Las aves estilizadas ocupan la mayor parte de la composición en múltiples piezas desde 1933 hasta '43. En los Estados Unidos, esas fechas abarcan la Gran Depresión y a mitad de la Segunda Guerra Mundial, un período tenso rico en esos mismos temas.
En «The Gaunt Bird of Famine» (1933), una pintura impresionante, pero no la más dramática del espectáculo, un ave blanquecina gigante, representada en delgadas líneas de gossamer que se encuentran en Puntos elegantes, se avecina contra un cielo negro sólido. A continuación, en el mismo blanco sucio, es lo que parece un pueblo. Spore Bush lo articula libremente y grueso, pero lo suficientemente realista como para que se sienta separado del cielo. La división sugiere una amenaza simbólica que se extiende sobre el mundo real.
Dos pájaros similares, en negro, en negro contra un cielo gris nublado, casi se encuentran en el centro de «The Pawn Broker (tres buitres)», del año siguiente. Debajo de la línea rígida del horizonte hay un cuerpo de agua negra. Una cara, justo encima de la superficie, mira a los pájaros, con temor o doliente; Las cadenas son visibles alrededor del cuello de la persona. El destacado del programa es «The Avengers» (1943). Aquí, una figura alada vuela cerca de un árbol muerto, desde el cual cuelgan tres cuerpos. El terreno oscuro y ondulante se asemeja tanto a la tierra como al agua, un marcado contraste con el cielo turquesa oceánica.
Spore Bush describió su arte como profético y guiado por las fuerzas espirituales que llamó «ellos» o «la gente». 1943 de Edward Alden Jewell New York Times Revisión, por ejemplo, la cita diciendo: «Mueven mi mano hacia arriba y hacia abajo y hacia adelante y de lado en todas las direcciones». Aunque este proceso automático podría hacer eco del de Klint, Peavy y otros, el incumplimiento de tales comparaciones defangora el arte y borra su contexto cultural. Una comparación más sustantiva son los buitres de gran tamaño que se repiten en Goya's Desastres de la guerra Ciclo de impresión (1810–20), en obras como «El buitre carnívoro» y «Las consecuencias. » Del mismo modo, su primera serie de pintura alegórica, en la que una figura barbuda en una capa de amatista se comunica con animales, me recordó libros de arte de Oskar Kokoschka y Ernst Ludwig Kirchneren el que los dibujos sueltos y coloridos transmiten narrativas cristianas o espirituales.
Si las pinturas de Spore Bush reflejan las profecías de la Segunda Guerra Mundial dictada por el pueblo, como ella describió, o las realidades pasadas y del entonces presente la Primera Guerra Mundial y la depresión, como lo implica la «hambruna», pertenecen al último linaje al menos tanto como el primero.
Reconsiderar el tropo del visionario o artista espiritualista redescubierto no es solo una cuestión de buscar otras afinidades. También se trata de refutar jerarquías y estereotipos. A menudo, las categorías de artistas conceptuales, incluidos los canónicos y el extraño, son de género. Que la mayoría de los artistas escritos en la historia como grandes cronistas de guerra, violencia y muerte son hombres es un problema, pero habla de quién se integró en las historias oficiales de arte occidental en primer lugar. Goya nunca fue «redescubierta» porque nunca desapareció de museos y galerías. Como Alexis Clements escribió en un reciente Hiperallérgico revisar«Estos lugares y las personas eran conocidos, pero no por todos».
Más insidioso es la agrupación de género de artistas según el espiritismo, la telepatía y similares. Alinear a las mujeres artistas sobre esta base no solo descuida otras alineaciones estéticas y temáticas, sino que también perpetúa la correlación persistente entre la feminidad y la irracionalidad en una cultura donde estas prácticas aún están en la franja. Aunque él reconoce que su mejor trabajo es «agudo e inquietante», Jewell se preguntó si el trabajo podría revisarse de manera bastante revisada a la luz de la guía de otro mundo de Bush. Esto arroja dudas sobre su estado profesional, incluso cuando compara su proceso con la escritura automática de surrealistas famosos.
Eso fue hace más de 80 años, y Spore Bush estaba cerca para responder. Hoy haríamos su justicia al no reproducir las mismas asociaciones problemáticas. Cuando Nickas escribe sobre las «líneas conectivas que fluyen entre el trabajo visionario de estas mujeres, lo que también nos permite verlas claramente entre sí», realmente no las distingue. Los está agrupando, «mujeres» y «visionario» son las palabras clave, y distinguiéndolas de un «nosotros» no especificado.
Vida más allá es un espectáculo revelador. Karma y Nickas hacen un buen trabajo al presentar Spore Bush a lo que probablemente sea una nueva audiencia, y es una reintroducción bienvenida. Ahora es el momento de conectar nuevas líneas.
Marian Spore Bush: Life Afterlife, Works c. 1919–1945 Continúa en Karma (188 East 2nd Street, East Village, Manhattan) hasta el 6 de septiembre. La exposición fue comisariada por Bob Nickas.
