Es un objeto que no debería tener lenguaje corporal, pero lo tiene. Y del lenguaje corporal, se pasa rápidamente a la personalidad. Los que crecieron con Los Moomins de Tove Jansson Podemos ver en “Yo” una sombra del frío y solitario Groke, encorvado por la vida con esos mismos hombros indeterminados, esa misma sensación de estar aislado del mundo. Y así sigue: el gran estabilizador en “Lever #1” (1988-89) lleva el título de una herramienta, pero sugiere claramente una cola que se mueve. Una escultura de hierro fundido que llega hasta las rodillas y compuesta por tres ovoides se reconoce instantáneamente como un ave rapaz posada sobre una roca, evocando al mismo tiempo quietud y movimiento incipiente. (Puryear también es un halconero entrenado).
En realidad, Puryear nunca ha encajado. Durante sesenta años, su trabajo y su carrera se han desarrollado desafiando silenciosamente el dogma sobre la forma en que debe verse, comportarse o realizarse el arte importante. En una época que valora la producción subcontratada, siempre ha preferido hacer las cosas a mano. Utilizó una temporada en el Cuerpo de Paz, en Sierra Leona, y dos años estudiando grabado en la Real Academia de Arte de Suecia para aprender de carpinteros, fabricantes de herramientas y muebles locales. Cuando se consideraba una debilidad dejar que la mente de los espectadores se desviara de la confrontación con la presencia material muda de un objeto abstracto, Puryear dejó espacio para la alusión. (El embudo invertido de dos metros y medio de altura de “Noblesse O.”, de 1987, poder ser visto como una forma pura, pero sería tonto negar su parecido con el sombrero del Hombre de Hojalata). Es como si, en algún momento de los años sesenta, Puryear observara las piezas de la experiencia humana que estaban siendo excluidas del arte elevado y decidiera invitarlas a todas a participar.
El título de la exposición es un guiño a esta apertura y complejidad, la forma en que, en cualquier obra de Puryear, se pueden elegir múltiples hilos a seguir: la belleza absoluta de sus formas y materiales; el ingenio de su carpintería; las semejanzas y referencias a la naturaleza, la historia y las reflexiones de un artista negro sobre la negritud y la blancura. Todo conecta. “Nexus” es también el nombre de una pieza de 1979: un aro de cedro grande, no del todo circular, que se ensancha ligeramente donde se unen los dos extremos, uno pintado de negro y otro de blanco. Un grabado de la época de estudiante de Puryear en Estocolmo lo muestra ya ensayando la forma de montículo que se repetiría en tantas variaciones más adelante, aquí compuesto por cuatro bloques grumosos (tres entintados en beige moteado, uno entintado en negro) y titulado «Quadroon». En el catálogo, la curadora Emily Liebert cuenta la historia del encuentro infantil de Puryear con los retratos de dos halcones gerifaltes, uno blanco y otro negro, realizados por John James Audubon, resultado de una adaptación ambiental. «Hice una conexión sobre la diferencia racial humana a través de estas especies», dijo Puryear.
Al crecer, Puryear aspiraba a ser ilustradora de vida silvestre; En la universidad, planeaba especializarse en biología antes de dedicarse al arte. La naturaleza, sus superficies y lógica interior, es una presencia constante a lo largo de esta muestra. Las etiquetas de las paredes identifican las maderas utilizadas (cedro amarillo de Alaska, pera suiza, palo santo) como se podría nombrar a un colaborador respetado. A un nivel más profundo, el mecanismo inherente de reiteración y mutación de la naturaleza es también el de Puryear. En esculturas, dibujos y grabados se puede observar cómo la peculiar joroba de «Quadroon» se endereza para convertirse en «Yo», luego se estira hasta convertirse en algo parecido a un oso agazapado y luego se alarga hasta convertirse en algo parecido a un pájaro acicalándose. En los años veinte, se infló y adquirió la forma distintiva de un gorro frigio, un emblema sartorial de la libertad durante las revoluciones americana y francesa.
“El Camino”, 2022.Obra de arte de Martin Puryear / Cortesía del artista y Matthew Marks Gallery
