Sylvia Snowden siente curiosidad por la condición humana, lo que genera pinturas activas y fascinantes. Sus lienzos oscilan delicadamente entre la figuración y la abstracción, evocando abundante movimiento y energía. Estar ante las obras de arte se siente eléctrico, como si algo en ti se activara, como si emociones previamente reprimidas llamaran la atención.
Snowden y yo nos conocimos en noviembre, después de que ella exposición individual Inaugurado en White Cube Nueva York. Al borde reúne 20 de sus pinturas en dos pisos, expuestas hasta el 19 de diciembre. Nuestra conversación comenzó con su afinidad por el color y su potencia, una lección de la infancia impartida por su amada madre, quien adoraba los tonos vibrantes. “El color es vida”, declaró Snowden. “Sin color, ¿qué tendrías?”
El corazón de la exposición es ella. Calle M serie – Retratos abstractos de cuerpos con extremidades hinchadas. Si bien no son representaciones de personas individuales, llevan el nombre de sus vecinos de la calle del mismo nombre en Washington, DC, donde vive desde 1978 y crió a sus hijos. Su propósito, sin embargo, ilustra algo más universal sobre los matices de las emociones humanas.
Snowden se crió en los campus de la Universidad Dillard y la Universidad Southern en Nueva Orleans por padres que la introdujeron en la creación de arte. Recibió su Licenciatura en Artes y su Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Howard en la década de 1960. Allí estudió bajo James A Porter, Loïs Mailou Jonesy James Lesesne Wellstitanes del arte negro de mediados de siglo. Su trabajo se ha exhibido en la Galería Nacional de Arte, el Museo de Arte de Baltimore y el Museo de Arte de Montclair, entre otros.
A los 83 años todavía pinta todos los días. Su enfoque de la textura, que dicotomiza como visual y táctil, se ha ido desarrollando desde los cuatro años. Utiliza pintura acrílica y pasteles al óleo sobre masonita, una innovación que surgió de una residencia en Australia, donde no pudo conseguir suficiente pintura al óleo y sabía que sus lienzos no se secarían a tiempo para ser enviados a casa. (Además, sus hijos “no podían soportar el olor a trementina”, me dijo). Las obras de arte resultantes son empastes emocionantes, de calidad escultórica. Ella ha identificado acertadamente estas detonaciones de color, que ondulan físicamente desde sus superficies, como “expresionismo abstracto estructural”.
Hablé con Snowden cerca de White Cube en Manhattan sobre su educación, su familia y cómo dejó su primera huella en un lienzo. Esta conversación ha sido editada para mayor extensión y claridad.
Hiperalérgico: Me encantaría empezar por el principio y hablar de tus raíces como artista. Entonces, ¿cómo llegaste a encontrar la pintura?
Sylvia Snowden: Mi madre, Jessie B. Snowden, fue quien nos presentó a mi hermano y a mí cuando éramos muy pequeños (cuatro años) a la pintura y al color. Mi madre sabía mucho sobre el color y vistió color, y ella nos lo presentó. Ahora, cuando tenía cuatro años, lo que hacíamos era (no sé si los niños ahora hacen esto o no) usar libros para colorear.
h: Sí.
SS: ¿Todavía lo hacen?
h: Sí. Apuesto a que muchas veces lo hacen en su iPad; lo colorean en el iPad. (Risas)
SS: Ah, claro. Eso no pasó conmigo. (Risas) Este era un libro para colorear con crayones. Y así fue como aprendí a hacer lo que se conoce como la “textura visual”, una textura que tú mismo haces. Entonces, lo que haces sigue siendo el mismo que la sensación. Y aprendí a usar el color de esa manera. Mi hermano, que pintaba mucho, hizo lo que se conoce como, lo que ahora llamamos, Color Field. Su trabajo era realmente hermoso, pero dejó el arte, las cosas de niños, y se dedicó a la abogacía, y yo me quedé en eso.
Fui a la Universidad Howard, la Facultad de Bellas Artes, y esa fue la experiencia de enseñanza más hermosa sobre la vida y el arte que alguien pueda tener. El departamento de arte, que estaba dirigido por un hombre llamado James A. Porter. Genio, de eso no hay duda. Escribió un libro (Arte negro moderno) que todavía se usa ahora. Era muy elocuente y sabía todo sobre los artistas negros estadounidenses. No soy bueno hablando de mi trabajo. No me gusta hacer eso. Pinto, así es como me comunico. No uso palabras. Pero déjame decirte lo que me dijo: dijo que parte de mi obtención de un título tenía que hablar sobre mi trabajo y él sabía que no podía. Entonces me dijo que si no hablas de tu trabajo no obtendrás tu título, porque eso es parte del requisito. Me tomó mucho tiempo tragarlo. Me explicó: «Te van a llamar para hablar sobre tu arte. Y no puedes decir: 'oh, no puedo hacerlo'». Vas a tener que aprender a hacerlo”.
Él fue realmente el responsable de que yo fuera a la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan. Obtuve un premio de primer lugar. Y lo que hicieron, Skowhegan, hace tres o cuatro años, fue invitar a todas las personas que tuvieron un primer premio para ese verano en particular a regresar, y tienen un estudio y pintan, esculpen, lo que sea que hagan. Y eso hice. Y algunas personas vinieron anoche a la inauguración de (White Cube).
h: ¿Sabías, cuando eras estudiante, qué tipo de arte querías hacer?
SS: No. Sabes, quien realmente me empujó más a eso fue David Driskell. Me gusta David Driskell. Fue alumno de todas esas otras personas (James A. Porter, Lois Mailou Jones y James Lesesne Wells).
Sucedieron cosas asombrosas con James A. Porter. Él quería que experimentáramos tantas cosas. Nuestras clases hicieron pintura al fresco. ¡Pintura al fresco! Hicimos que viniera un yesero e (instalara) una Una placa de cuatro pies por cuatro pies, y había que pintar, y permanecía allí durante un semestre, luego lo quitaban para la siguiente clase. Pero en realidad era una pintura al fresco. Mucha gente en algunas escuelas prestigiosas ni siquiera había oído hablar del fresco. Pero en Black Howard lo logramos. Cuando estuve allí, eso fue el lugar. En todo el mundo.
h: ¿Cuál es su proceso de creación cuando comienza con una masonita en blanco? ¿Es secreto? ¿Lo mantienes cerca del chaleco?
SS: No, no. ¿Sabes las cosas más difíciles de hacer? Haz esa primera marca en ese lienzo blanco. Esa es la marca más difícil, porque puede dictar muchas cosas sobre la pintura.
h: Desde que haces la primera marca hasta que la completas, ¿dejas que la obra de arte tome forma a medida que la creas o la abordas con una idea de cómo quieres que se vea exactamente?
SS: Oh, no, se expande porque crezco en mi capacidad de hacer arte. No entro allí con una imagen en mente, la tomo de mi mente y la dejo. Tomo una idea y el uso de ciertos colores, y la idea se expresa a través de una serie de pinturas. Por eso hago cuadros en series. Una pintura no cumple con todo lo que quiero pensar sobre ese tema en particular. Así que sigo adelante un poco, porque pude verlo completo desde mi punto de vista.
h: Usted llama a su trabajo “expresionismo abstracto estructural”. Tengo curiosidad por saber cómo definirías eso, cómo definirías tu trabajo.
SS: El expresionismo abstracto se subdivide en tres áreas. Hay pintura de acción, como Jackson Pollock. Luego está lo simbólico, es decir, la pintura basada en símbolos que utilizamos en nuestro entorno. Y luego puedes usar algo que se base en la figura de lo que ves, la estructura de lo que ves. Eso es expresionismo abstracto estructural.
h: La influencia de M Street realmente cobra mucha importancia en la serie a la que le has puesto su nombre.
SS: Si no tienes un cierto estatus en la vida, eres olvidado. Entonces le di a esas (pinturas) nombres (de) personas que fueron olvidadas antes de morir. Los camiones pasaban frente a la casa y yo ponía los nombres de las personas en la parte trasera del cuadro. No prestaban mucha atención a las pinturas, porque para ver pintura abstracta en esta sociedad, nos tienen que enseñar. En otras sociedades, el arte está relacionado con la gente. Pero no aquí. Pero vieron sus nombres en la parte de atrás: «¡Oh, ese soy yo! ¡Ese soy yo!». Les dio una sensación cálida. Alguien se preocupa lo suficiente por mí como para representarme. Ésa es la idea: que somos seres humanos y todos tenemos los mismos sentimientos. Todos tenemos las mismas necesidades de personalidad, pero se manifiestan de manera diferente en el sentido de que son más intensas en algunas personas que en otras.
h: He leído que creas trabajo todos los días.
SS: Pinto todos los días. Sí. Eso es una suerte. Soy muy afortunado de poder hacer eso. Soy afortunado con mis hijos; ellos respetan eso. Shell, mi hija, me llama y me pregunta: “¿Qué estoy haciendo?” Le dije: «Estoy pintando». «Está bien, te devolveré la llamada». Yo pintaba antes de que ella naciera, así que crecieron con respeto por lo que hago. Y lo aprecio mucho.
h: Creciste en estos campus universitarios y tus padres realmente te animaban a ti y a tu hermano a trabajar. ¿Eso continuó a medida que creciste?
SS: No me animaron a convertirme en artista. Créame, lo entendieron. Eso fue establecer un carril de pobreza. Pero también entendieron que era importante hacer lo que te apasionaba, se dieron cuenta de ello y me apoyaron mucho. Quiero decir, me compraron pintura, una enorme cantidad de pintura, incluso después de mis hijos. Tuve buenos padres. Bien padres. Mi hermano y yo sabíamos que éramos amados. Mis hijos sabían que eran amados.
