Por qué Mulholland Drive de David Lynch es la mejor película del siglo XXI

Desconcertó a muchos espectadores pero deleitó a los críticos. Explicamos por qué Mulholland Drive, del fallecido gran David Lynch, encabezó la encuesta de BBC Culture para encontrar las mejores películas del siglo XXI.

El cine de los primeros años del siglo XXI ha experimentado una especie de crisis existencial. Términos como «parecido a la televisión» o «al estilo de la televisión» alguna vez tuvieron la intención de ser insultos; ahora, en un período que ha visto el renacimiento y la llamada nueva «edad de oro» de la televisión, ese ya no es el caso. Entonces, si la televisión ha evolucionado hasta tal punto que ya no se la considera una forma de arte inferior, ¿qué significa esto para el cine?

Quizás no sea una coincidencia que el alucinante drama de misterio del difunto David Lynch, Mullholland Drive, fuera nombrado por Encuesta de críticos de BBC Culture en 2016 como la mejor película del siglo hasta el momento. Sus raíces se encuentran en la televisión: la película comenzó como un piloto de televisión fallido y fue rescatada en formato de largometraje.

La turbulenta historia de Mulholland Drive y la política del estudio y los juegos de poder representados por Lynch en la película misma no parecen coincidencias. Bajo su apariencia de ensueño, Mulholland Drive es un brillante comentario sobre las maquinaciones de Hollywood, al menos en parte informado por sus propios males.

Lynch comenzó su vida durante el desarrollo del programa de televisión de culto Twin Peaks, y finalmente en 1998 se le ocurrió la idea de crear una serie en Mulholland Drive. La cadena de cable estadounidense ABC le dio luz verde, que esperaba replicar el éxito de la pequeña película del director. -Serie de misterio de la ciudad.

ABC no quedó impresionada con el primer episodio, que consideraron lento y prolongado: 37 minutos demasiado largos para caber en un horario de televisión convencional. También objetaron varias cosas capturadas en la sesión, incluido un primerísimo plano de excrementos de perro. A principios de 2000 Lynch logró rescatar el proyecto al aceptar convertir Mulholland Drive en un largometraje, dotado de un presupuesto que duplicaba el tamaño original.

Uno de varios personajes pequeños y sombríos es el misterioso Sr. Roque (Michael J. Anderson), que parece controlar Hollywood desde una silla de ruedas en su oscura oficina. Una de las tramas involucra a un director de renombre (Justin Theroux) que es intimidado para que elija a una actriz principal con los poderes necesarios para su nueva película, pero no lo hace.

Al infundir a Mulholland Drive comentarios punzantes, tal vez pesimistas, sobre las fuerzas del mercado en Hollywood, pero también abarrotarlo de imágenes seductoras, Lynch creó un paquete muy atractivo para los críticos. Podrían perderse en el ambiente onírico mientras se dedicaban a un ejercicio intelectual profundamente crítico de las realidades comerciales del cine: una especie de San Valentín ambiguo a Tinsel Town.

El personaje más cercano que tiene Mulholland Drive a un protagonista es Betty Elms (Naomi Watts), una alegre aspirante a actriz que llega a la ciudad en busca de trabajo. La sonrisa despreocupada eventualmente desaparecerá de su rostro. Betty conoce a la bella Rita (Laura Harring), de cabello oscuro y ojos saltones, quien tropieza en Mulholland Drive después de sobrevivir a un accidente automovilístico. La experiencia la ha dejado amnésica.

Rita no sabe su propio nombre. De hecho, se hace llamar «Rita» sólo después de mirar un cartel de una vieja película de Rita Hayworth, Gilda, de 1946. Su búsqueda para descubrir información sobre su pasado, junto con el viaje de Betty para conseguir trabajo como actriz, tiene lugar entre un tapiz de otras historias, que se desarrollan como viñetas, algunas de las cuales duran sólo una o dos escenas.

En una discusión sobre la película mejor recibida por la crítica en lo que va del nuevo siglo, tal vez se pueda obtener información comparando la película mejor recibida por la crítica del siglo anterior. El título que repetidamente llega a la cima de la lista o cerca de ella es Citizen Kane, el apreciado debut cinematográfico del escritor y director Orson Welles en 1941: la encuesta de críticos de BBC Culture de 2015 sobre la 100 mejores películas americanas Pon a Kane en el número uno.

Si Kane puede verse como un ensayo sobre los aspectos prácticos de la realización cinematográfica –una clase magistral sobre procesos técnicos, desde el montaje hasta el enfoque profundo, las disoluciones y la manipulación de puesta en escena – El atractivo de Mulholland Drive es más temático y conceptual. Es menos una demostración de cómo se logra el gran cine que de lo que el gran cine puede lograr, cuya capacidad para ideas parece infinita.

Los temas de Lynch son salvajes y poco convencionales: los sueños se materializan; Burbujas de pensamiento locas que cobran vida. Mientras que la gran película de Orson Welles comienza con un breve momento de surrealismo (que involucra una bola de nieve y la críptica palabra «Rosebud»), pero luego avanza de una manera más directa, Lynch mantiene la atmósfera surrealista en todo momento. En este sentido, Mulholland Drive continúa donde lo dejó Citizen Kane.

Sus cualidades oníricas dan lugar a muchas cosas confusas e inexplicables que naturalmente fomentan la interpretación. Pero como dice el crítico Roger Ebert, uno de los mayores defensores de la película anotado: «No hay explicación. Puede que ni siquiera haya un misterio».

La película es, sin duda, un desafío. Las tangentes interesantes de la trama están cortadas como extremidades; Los personajes aparecen y desaparecen. Al final del tiempo, después de una escena que parece mostrarla despertando de un sueño, la protagonista se transforma, sin explicación, de la optimista Betty a una actriz fallida y de aspecto atormentado llamada Diane.

Pero son los pequeños momentos autónomos los que perduran más tiempo en la memoria y los que dan a la película una textura similar a un mosaico. La más grande es la famosa escena del Club Silencio, un tramo cinematográfico verdaderamente inolvidable. Es a la vez una suntuosa experiencia sensorial y un ejercicio de autorreflexión, levantar el capó de la película para que podamos inspeccionar las piezas en movimiento en su interior.

En la escena, el MC de una discoteca surrealista sube al escenario. «¡No hay banda!» exclama: «No hay banda». Es decir, todos los sonidos que escucha el público han sido pregrabados; parecen reales, pero son una ilusión. Sin embargo, los espectadores se dejan llevar por una conmovedora interpretación en español de una canción de Roy Orbison, hermosa, desgarradora y fascinante, antes de que el cantante de repente caiga muerto y se lo lleven a rastras.

El efecto es total y exquisitamente desplazante. Lynch evoca una ilusión al tiempo que reconoce el juego de manos necesario para hacernos creerlo. La magia de los sueños, en otras palabras, junto con la magia de las películas: una forma inminentemente más diseccionable que la otra.

Alentar al público a participar en ese análisis –esa disección– es un ejercicio que atrae a los críticos como polillas a la luz. Hay algo infinitamente fascinante en una película que prioriza las preguntas sobre las respuestas, ampliando nuestras expectativas de lo que el cine puede lograr y al mismo tiempo, escena por escena, brindando una experiencia ricamente satisfactoria. Quizás el mayor misterio de todos es cómo diablos Lynch lo logró.

Este artículo se publicó originalmente en 2016.

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