El Festival de Cine de Nueva YorkLa pieza central del año de la ciudad en Cinefilia, es víctima de su propio éxito. Muchas de sus películas más notables ya están programadas para el lanzamiento comercial pronto, que es motivo de celebración, en la medida en que se verán de manera más amplia y asequible e incluso se dirigirán a transmitir plataformas lejos de donde florecen artificios. Pero, como resultado, las proyecciones del festival toman el tono de una vista previa de acceso temprano en lugar de una oportunidad para ser incautados. No obstante, la atmósfera del evento convierte de manera confiable el Lincoln Center en una colmena de energía cinematográfica, y el deseo impaciente que atrae al público a través de las puertas proporciona una sensación de comunicantes de ideas afines en el altar de la película.
Mi colega Anthony Lane pieza reciente sobre el arte y la ciencia de la restauración del cine Es un recordatorio bienvenido para prestar atención a la sección de avivamientos vigorosos del NYFF, que está lleno de nuevas restauraciones notables, incluida una, «Queen Kelly» de Erich von Stroheim, de 1929, que está llena de amargura tanto en su tema como en su historia de producción. La visión biliosa de Stroheim, establecida en medio de la pompa y la decadencia de un reino ficticio europeo medio, rastrea crueles convergencias de sexo y poder entre los reales y los desviados por igual. La estrella de la película, Gloria Swanson, interpreta a una nun-noviciada huérfana que, durante una excursión al convento, llama la atención de un príncipe coquetamente coquetero (Walter Byron) que resulta ser el hombre y el novio de la reina locamente celosa del reino (Viewa Owen). El resultado se vuelve violento y conduce al exilio y a la degradación en la colonia africana del reino. Los métodos exigentes y plenamente realistas de Stroheim provocaron al productor de la película, el potente y Paterfamilias Joseph Kennedy, para desconectar el proyecto, terminando efectivamente la carrera de Stroheim como director. La versión sobreviviente, aumentada con imágenes adicionales, demuestra que la película es una obra maestra espectacular, fanáticamente ornamental, pero desgarradora de éxtasis y horrores eróticos.
El cine moderno tiene formas completamente diferentes de presentar la rigidez opresiva de la cultura del Viejo Mundo, incluido el cine de documentales íntimos, como con «Carol & Joy» de Nathan Silver, que aparece en el Programa de Shorts de Nueva York del festival. Los sujetos por el título son la actriz Carol Kane y su madre, y su compañera de cuarto del Upper West Side, Joy Kane, que tiene noventa y ocho y llena de historias extraordinarias. Joy creció en Cleveland, donde su padre trabajaba como psiquiatra. (Sus padres eran, dice, de «el shtetl»; su madre era austriaca). Fue criada, explica, según normas estrechas que frustraban su temperamento de espíritu libre y que intentó en vano resistir. Joy cuenta un fondo de orden frío, de amenazas e insultos y traiciones, lo que le llevó décadas superar. Sus logros de los últimos días como músico se destacan en la película, junto con sus reflexiones trincheras sobre el espíritu de liberación que se encuentra en el corazón del impulso artístico.
Las presiones familiares normativas son lugares comunes culturales mucho más allá de las fronteras europeas, y el director de Corea del Sur, Hong Sangsoo, los pone en primer plano dramáticamente en «¿Qué te dice esa naturaleza», una historia de joven romance sometido a un escrutinio de los padres agudos? El drama comienza con una coincidencia que descansa en una base de diseño. Un poeta de treinta y tantos años lleva a su novia a la casa de sus padres, a quien, a pesar de una relación de tres años, nunca se conoció, y, en el camino de entrada, es probable que se encuentre con su padre. Los dos hombres se lo llevaron bien, el poeta está invitado a cenar y se producen los inevitables interrogatorios. Desafortunadamente, el padre del joven es rico y famoso, un tema que los suegros potenciales no pueden evitar. En medio de la calidez de la reunión, las preguntas sobre las perspectivas financieras y las ambiciones artísticas se plantean, y se elevan una y otra vez, cada vez más altas, a un punto álgido. Hong, con pugnacidad y refinamiento de artes de arte consumado, filma la cena del infierno en imágenes de exquisita tensión similar a la cuerda flope.
La segunda característica de Mary Bronstein, «Si tuviera las piernas, te patearía» (una de las primeras premières en Sundance a principios de este año), como «Carol & Joy», también es un drama de madre y hija, y psicoterapéutica. Rose Byrne interpreta a Linda, una terapeuta cuya pequeña hija tiene una enfermedad crónica y cuyo esposo, un capitán de mar, está fuera por largos tramos, dejándola sola para lidiar solo con los problemas médicos y emocionales de sus hijos. Estas demandas están arrojando su trabajo como psicólogo a la agitación, produciendo conflicto con su terapeuta y colega (Conan O'Brien); Mientras tanto, otros aspectos de su vida se están desmoronando (incluida su casa, literalmente). Linda soporta una ronda cósmica de estrés, emparejada por la agitada jangle de estados de ánimo de la película y su uso de primeros planos de la protagonista sobrecargada, cuyos confines se vuelven más pequeños a medida que sus problemas se hacen más grandes y sus montajes de furia, una receta para la explosión.
En algunas otras entradas sobresalientes en la primera semana del festival, el retrato psicológico ocurre a través de la extrusión: la vida interior se ve obligada a salir en forma de eventos de importancia histórica e incluso histórica en el mundo en general. Estas piezas de época incluyen al director brasileño Kleber Mendonça Filho «The Secret Agent», ambientado principalmente en Recife, en la costa atlántica de Brasil, en 1977, en un momento en que el país fue gobernado por una dictadura militar. El personaje principal es un científico (Wagner Moura) que se ha enfrentado al régimen y busca una red clandestina de simpatizantes. Al enterarse de que está siendo atacado por hitmen conectados al gobierno, toma medidas cada vez más extremas de evasión, lo que juega en su propia identidad. Mendonça, deleitando en artefactos y configuraciones de época, se salta audazmente en cronología y saca de las sombras una amplia gama de personajes, la mayoría de los cuales tienen sus propias articulaciones. La película pone a su héroe objetivo en una etapa pública repleta, el tumulto del carnaval brasileño, y también lo examina en la media luz de su propio legado evasivo.
